¿Memorabilia de museo del siglo XIX?

Una de las obras que más aprecio entre todas las que he encontrado en el mercadillo de Portobello Road es una pequeña cromolitografía original que reproduce un cuadro de Thomas Gainsborough (1727-1788) que se conserva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (50.145.17). Según dicha pintura, el título de esta litografía sería " Niños campesinos" o "Los recolectores de madera". Impreso en papel sobre latón y con un fondo entintado a mano, esta cromolitografía se publicó probablemente en Londres alrededor de 1880. La "cromo", como también se llamaba entonces, o impresión en color a partir de piedras litográficas, llegó al mercado en la década de 1870, y su apogeo tuvo lugar en las décadas de 1880 y 1890. La pintura original es aproximadamente un siglo más antigua que esta litografía. Sus dimensiones son muy reducidas, como en una miniatura, 30 x 36 pulgadas (76 x 92 mm). Fue adquirida el 29 de noviembre de 2019.

 

En una cromolitografía como esta, el artista tenía que dibujar una plancha diferente para cada color, produciendo la imagen final mediante el uso de más de ocho piedras litográficas. Un buen resultado dependía básicamente de la habilidad del litógrafo. Como proceso de reproducción podía consumir mucho tiempo y ser extremadamente engorroso, y a finales del siglo XIX las 'nuevas tecnologías' permitieron realizar separaciones de color, y la impresión en color comenzó a reemplazar a la cromolitografía como técnica de reproducción del color.

Thomas Gainsborough, el autor del óleo original, fue junto con su gran rival Joshua Reynolds, el principal retratista de la Inglaterra de finales del siglo XVIII. Nacido en Sudbury, Suffolk, en 1745 Gainsborough había establecido su propio estudio en Londres, pero en 1748 había fijado su residencia en Suffolk. En 1752 se mudó a Ipswich, y en 1759 se estableció en Bath, una ciudad balneario de moda que le proporcionó muchos clientes para sus retratos. De 1761 a 1769 Gainsborough expuso en la Society of Artists, que había iniciado su actividad en 1760, y en 1768 fue miembro fundador de la Royal Academy, al igual que Reynolds, aunque años más tarde Gainsborough tuvo un par de disputas con la Academia, y nunca volvió a exponer allí. La razón de ambas disputas fue su desacuerdo con la colocación de sus pinturas. En 1772 tomó a su sobrino, Gainsborough Dupont (1754-1797) como asistente en el estudio. En 1774 Gainsborough ya había alcanzado una próspera posición como retratista, aunque siempre mostró interés por la pintura de paisajes y la representación de escenas rústicas. De vuelta en Londres fijó su residencia en Pall Mall. En 1782 Gainsborough recorrió el oeste del país con su sobrino, y al año siguiente visitó el Lake District con Samuel Kilderbee. Gainsborough murió en Londres después de una reconciliación con Reynolds, quien lo elogió en la Royal Academy. Está enterrado en Kew Churchyard. Una venta póstuma de sus cuadros y dibujos tuvo lugar en Schomberg House, la casa de Gainsborough en Pall Mall, en 1789. Ejecutada en 1787, hacia el final de la vida de Gainsborough, "Cottage Children" fue exhibida en aquel evento, y las obras de arte fueron adquiridas por Lord P Porchester. En Thomas Gainsborough (Nueva York, 1915, pp. 242, 291-92, 294), William Thomas Whitley cita el relato admirativo de Henry Bate-Dudley sobre el cuadro, que vio en Schomberg House en noviembre de 1787 y que ya había sido vendido a Lord Porchester, identificó al niño como "el muchacho de Richmond, Jack Hill". El cuadro se expuso años más tarde en la British Institution, en 1814 (nº 154) y de nuevo en 1844 (nº 154), y en la Royal Academy en 1881 (nº 172). 

Existe una versión más pequeña de la pintura que se atribuye a Gainsborough Dupont (Tate N00311). Era anteriormente parte de la colección de Vernon. Robert Vernon (1774-1849) fue un mercader londinense que amasó una enorme fortuna durante las guerras napoleónicas. Coleccionó unas 200 pinturas entre 1820 y 1847, principalmente de artistas británicos vivos. En 1847 presentó 157 pinturas a los fideicomisarios de la National Gallery. Las obras se expusieron primero en Vernon House en Pall Mall, y más tarde en Marlborough House. En 1897 se fundó la Tate Gallery -entonces llamada National Gallery for British Art- y muchas de las obras fueron trasladadas allí. 

Cottage Children, óleo sobre lienzo atribuido a Gainsborough Dupont (1754-1797).

La escena muestra tres niños en un paisaje boscoso. Este tipo de tema estaba destinado a inspirar compasión entre la gente de Sensibilidad, que en realidad puede haber estado muy alejada de las realidades de la pobreza rural. Inspirado por el artista español Murillo (1617-1682), el óleo sobre lienzo de Gainsborough forma parte de lo que, en el siglo XVIII, se llamaban "fancy pieces", que representaban a niños campesinos en entornos rústicos. El sentimiento expresado en ellas era agradable para los contemporáneos de Gainsborough, que parecen no haber reparado en las expresiones huecas y melancólicas de los retratados un trasfondo de penurias. En 1814 un crítico se refirió a ellos como las obras "en las que descansa principalmente la fama de Gainsborough".

En noviembre de 1787, después de una visita al estudio de Gainsborough, Henry Bate-Dudley describió esta pintura en los siguientes términos: "Un paisaje de mérito inusual... una escena pintoresca... bellamente romántica" en la que el artista ha introducido tres "pequeños objetos encantadores [que] no pueden ser vistos sin las sensaciones de ternura y placer, y un interés por su humilde destino" (citado en Whitley 1915, p. 291). Tales obras gozaron de grandes elogios y altos precios en vida de Gainsborough. Más tarde, sin embargo, fueron perdiendo poco a poco el favor del público, que las encontraba sentimentales y condescendientes. Más recientemente se ha producido un cambio en la crítica académica, y se han interpretado como un comentario sobre la pobreza y la piadosa industria de los pobres sin tierra (Barrell 1980).

Ya hemos mencionado que el niño sentado fue identificado como Jack Hill, un niño mendigo que Gainsborough había conocido en Richmond, y a quien también representó en otra 'fancy piece' de la colección del Museo (89.15.8). F. G. Stephens, al escribir en el catálogo de la exposición de la Grosvenor Gallery de 1885, sugirió que la obra era un retrato disfrazado, identificando a los niños como Charles Marsham, más tarde Conde de Romney, y dos de sus hermanas (Stephens 1885). El segundo conde, nacido en 1777, tenía dos hermanas, pero la fuente de esta improbable sugerencia no ha sido revelada. Un dibujo de alrededor de 1780, Studies of Girls Carrying Faggots (Yale Center for British Art, New Haven), aunque no es un estudio para la presente pintura, sí está estrechamente relacionado con ella.

Una versión en grabado (Tate Britain, Londres) de la pintura, que ahora se cree que es de Gainsborough Dupont (1754-1797), pudo haber sido realizada en preparación para una impresión contemporánea que nunca fue ejecutada; fue grabada más tarde por George Baird Shaw.

Una copia de este grabado (Art Journal, 1850) se conserva en el Museo Británico (número de museo: 1872,1012.1982). Fue impreso por Horwood & Watkins, y grabado por George Baird Shaw basándose en Gainsborough (Waterhouse 807), publicado por Virtue & Co. La descripción del grabado es la siguiente: Un niño pequeño sentado al borde de un sendero, sosteniendo leña, con una muchacha mayor a su lado, sosteniendo a una niña pequeña, todos descalzos y vestidos con harapos, con una cabaña en un campo al pie de una montaña al fondo a la derecha". Está escrito bajo la imagen con el título, "De la foto en la Galería Vernon". Detalle de la producción: ‘T. Gainsborough, R. A. Pintor'.

El proceso de producción de una cromolitografía era muy diferente de estas técnicas de grabado. Una cromolitografía producía un resultado más similar al de una pintura. En realidad, la litografía era una de las técnicas de impresión practicadas por muchos artistas, permitiéndoles dibujar directamente sobre la piedra litográfica. La litografía fue inventada por primera vez en Alemania en 1796 por Alois Senefelder. Desarrollada a partir de la litografía, la cromolitografía era un método para producir impresiones multicolores. Dependiendo del número de tonos presentes, un litógrafo podía invertir meses en producir una cromolitografía, corrigiendo gradualmente la impresión hasta conseguir un resultado similar al del cuadro a reproducir, que debía tener frente a él. A veces era necesario utilizar decenas de capas. Como técnica de impresión en color dejó de utilizarse a finales de la década de 1930.

Dado que las cromolitografías se imprimían a partir de piedras, la imagen impresa retenía el grano de la piedra litográfica. Usando una lente de aumento (aproximadamente 10x) podemos apreciar esos "puntos" de color, que son irregulares comparados con los "puntos" obtenidos en una separación de color. Los puntos de la litografía no siempre tendrán el mismo aspecto, se parecerán al grano de la piedra empleada. También podemos observar que algunas zonas del fondo fueron coloreadas a mano, con acuarelas o tintas, ya que el color es plano y sin puntos.

A continuación se muestran algunos primeros planos de la cromolitografía:

Louis Prang, que viajó a Europa para estudiar los métodos de impresión, detalló el proceso de la cromolitografía en un discurso pronunciado en 1897 en el Pratt Institute de Nueva York: "La litografía, tal y como la entendemos hoy en día, es el arte de imprimir a partir de una piedra perfectamente plana, en la que el patrón no se levanta en relieve ni se corta en calcografía. La piedra litográfica, que es una caliza amorfa, de textura densa sin ser dura, ...[y] tiene una gran capacidad de absorción de la grasa ... El dibujo en la piedra se hace con el lápiz litográfico, que consiste en jabón, cera y negro, ... El dibujo, una vez terminado, se somete a una operación llamada técnicamente "la preparación". Consiste en hacer fluir sobre la cara de la piedra la solución de goma arábiga acidulada con ácido nítrico. El ácido neutraliza el alcalino del jabón en el lápiz y la tinta, libera la grasa, y al hacerlo crea una unión permanente de esta grasa con la piedra formando jabón de cal, insoluble en agua" (New York Tribune). En ese mismo discurso Prang explicó cómo una cromolitografía fue producida para parecerse a una pintura original: "Para hacer una reproducción cercana en la impresión es absolutamente necesario pintar el objeto. En la copia ... nos vimos obligados a hacer una pintura de cada objeto ... El proceso ... comienza con el análisis de su color para crear una escala de colores ... El siguiente paso es cubrir la pintura con una hoja de gelatina perfectamente transparente, sobre la que se dibujará el contorno del diseño, así como los diferentes colores ... Este dibujo, transferido a una piedra por simple presión y entintado, da la plancha [o contorno]. El artista debe dibujar una plancha separada para cada color... De esa plancha se deben tomar impresiones en tinta negra común sobre papel duro, espolvoreado con tiza roja finamente pulverizada, que sólo se adhiere a la tinta, y así se transfieren a tantas piedras como el caso particular requiera". 

Literatura y referencias:

-Katharine Baetjer, British paintings in the Metropolitan Museum of Art, 1575-1875, New York; New Haven and London, 2009, nr. 49.

-William Hazlitt. Criticisms on Art: And Sketches of the Picture Galleries of England. London, 1843, p. 194 [2nd ed., 1856, p. 194], quotes the Morning Chronicle, in which he reviewed the 1814 Gainsborough exhibition and gave preference to "Cottage Children" among the fancy pictures.

-Engravings from the Works of Thomas Gainsborough, R.A. by J. Scott, G. H. Every, G. Sanders, and Other Eminent Engravers. London, n.d. [ca. 1880], unpaginated, no. 112, ill., publishes an 1868 engraving by G. H. Every after Lord Carnarvon's "Cottage Children".

-F[rederic]. G[eorge]. Stephens. Thomas Gainsborough, R.A. Exh. cat., Grosvenor Gallery. London, 1885, p. 45, no. 82, as "Cottage children, including portraits of Charles Marsham, afterwards Earl of Romney, and two of his sisters".

-Walter Armstrong. Gainsborough & His Place in English Art. London, 1898, pp. 126, 157, 184, 204 [popular ed., New York, 1904, pp. 168, 211, 250, 284–85], attributes the painting to the last few years of the Bath period, that is, the 1770s, and notes that there is a "small sketch or replica" in the Vernon Collection at the National Gallery.

-William T[homas]. Whitley. Thomas Gainsborough. New York, 1915, pp. 242, 291–92, 294, quotes Henry Bate-Dudley's admiring account of the picture, which he saw at Schomberg House in November 1787 and which had already been sold to Lord Porchester; identifies the boy as "the Richmond child, Jack Hill"; mentions the sketch or study in the Vernon Collection at the National Gallery and notes that it was probably this study that was exhibited at the Liverpool Society in autumn 1787.

-Ellis K. Waterhouse. "Gainsborough's 'Fancy Pictures'." Burlington Magazine 88 (June 1946), p. 140, no. 11, notes that the painting remained with the Earls of Carnarvon until 1924; describes the Vernon picture as an "engraver's version (it was not, in fact, engraved)".

-Josephine L. Allen and Elizabeth E. Gardner. A Concise Catalogue of the European Paintings in The Metropolitan Museum of Art. New York, 1954, p. 40.

-John Barrell. The Dark Side of the Landscape: The Rural Poor in English Painting 1730–1840. Cambridge, 1980, pp. 82–84, 170 n. 83, ill., as one of Gainsborough's late paintings of the children of the poor who, assuming they were industrious, were regarded with benevolence in the writings of the period.

-Ann Bermingham. Landscape and Ideology: The English Rustic Tradition, 1740–1860. Berkeley, 1986, pp. 52, 54, fig. 26, reproduces it as an illustration of Gainsborough's romantic vision of the vulnerability and innocence of childhood; points out that the fancy pictures are closely related to the society portraits of the same date.

-Thomas Gainsborough. Ed. John Hayes. Exh. cat., Palazzo dei Diamanti. Ferrara, 1998, p. 166, remarks that the popularity of the fancy pictures was assured by the immediate sale of this painting at a high price.

-Michael Rosenthal. The Art of Thomas Gainsborough: 'a little business for the Eye'. New Haven, 1999, p. 254.

-Ann Bermingham in Sensation & Sensibility: Viewing Gainsborough's "Cottage Door". Ed. Ann Bermingham. Exh. cat., Yale Center for British Art, Yale University. New Haven, 2005, pp. 6–8, fig. 9 (color), states that Murillo's images of beggar children inspired Gainsborough's fancy pictures.

-Katharine Baetjer. British Paintings in The Metropolitan Museum of Art, 1575–1875. New York, 2009, pp. 110–12, no. 49, ill. pp. x (gallery installation, color), 111 (color), calls it "Cottage Children (The Wood Gatherers)".

 

Tres meses después de encontrar aquella miniatura a partir de Gainsborough, encontré una segunda cromolitografía sin firmar en el mercadillo de Portobello Road, esta vez de Charles Burton Barber (1845-1894). Fue el 28 de febrero de 2020. La escena representada era un interior con una niña vestida de rosa con su perro, una composición idéntica a la mostrada en "Dress Up", una pintura original de Barber.

Framed chromolithograph by Charles Burton Barber. Late 1800's.

 

Considerado uno de los mejores pintores de género y animales de Inglaterra, Charles Burton Barber alcanzaría un gran éxito como artista a lo largo su vida profesional.  A los 18 años Barber estaba ya en Londres estudiando en las Escuelas de la Royal Academy. En 1864 obtuvo una medalla de plata y dos años más tarde expuso su primera obra en la Royal Academy (RA), mientras vivía en Notting Hill. Barber se convirtió en un artista muy solicitado, y a principios de 1870 obtuvo su primer encargo de la Reina Victoria, pintar a sus perros favoritos. En 1883, el año en que pintó Off to School, fue elegido miembro del Royal Institute of Painters. En 1894 Barber recibió el encargo de pintar a la Reina Victoria en su carro de caballos rodeada de sus nietos.  Este sería su último encargo ya que el artista fallecería poco después. Se suele decir que Barber era un hombre tranquilo que valoraba su privacidad. Al contrario que otros artistas, cuando recibía encargos de la Reina Victoria Barber no intentaba que tales encargos le proporcionaran publicidad o una gran reputación. 

 

Los cuadros de Barber a menudo muestran a niñas de hogares ricos con sus mascotas, como en la imagen de esta cromolitografía. Muchas de las pinturas de Barber fueron impresas mediante fotograbado o, como en este caso, en cromolitografía. Barber fue un frecuente expositor en la Royal Academy, en el Royal Institute of Oil Painters, en la Walker Art Gallery, en la City of Manchester Art Gallery y en la Fine Arts Society. Buena parte de su obra artística se expone en la Lady Lever Art Gallery en Port Sunlight. La naturaleza de su trabajo lo hizo ideal para aplicaciones comerciales, aunque la producción comercial de su trabajo no se limitó a vender impresiones de sus obras al público. Aunque sus obras se ofrecían principalmente como impresiones cromolitográficas, en lugar de venderse como óleos originales, Barber siguió siendo un artista exigente. 

 

En los próximos posts continuaré describiendo las variadas piezas de esta pequeña colección de arte adquirida en mercadillos y tiendas benéficas, sorprendiendo al lector con algunas obras que bien podrían colgar en las paredes de algún museo británico. La obra conservada de algunos de los artistas que aparecerán en este blog es muy limitada, lo que la hace especial y valiosa.